D’une terre à l’autre, Thalia Rosaura construit un univers électropop rose, à mi-chemin entre le Québec et la Colombie. Formée en chant classique, elle se tourne naturellement vers la composition, explorant la chanson latino-américaine et le R&B pop contemporain. Sa musique est portée par des synthés brillants, des mélodies accrocheuses et une sensibilité authentique. Originaire de Longueuil, Thalia s’est produite dans plusieurs salles de la scène locale montréalaise, dont Ausgang Plaza, l’Esco, le Quai des Brumes et la Casa Del Popolo, où elle affine un projet à la fois intime, dansant et rassembleur. S’inspirant de Rosalía dans un décor québécois, son spectacle est pensé comme un moment à vivre ensemble, où la musique devient un espace de partage. Inspirée par les femmes fortes de sa famille et du rêve sans fin, Thalia crée un univers musical en français comme en espagnol.

Fleur de Peau : Fleur de Peau est un duo synth-pop né en 2023, formé de Louis Fernandez et Élie Dubois-Sénéchal. Leur musique, influencée par les années 80, mêle mélancolie, urgence de vivre et engagement queer et féministe. En 2024, ils sortent un premier album aux sonorités électro, punk, dreampop et indie rock, à la fois percutant et poétique. Cette année, le duo Fleur de Peau dévoile son deuxième album Parachute, une œuvre à la fois électrique et profondément organique, où l’humain et les instruments respirent au même rythme.

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Si la finesse et l’ingéniosité de ses arrangements ont été maintes fois soulignées, c’est surtout pour la beauté de ses mélodies et l’intimité désarmante de ses textes que son œuvre continue de toucher autant de gens; même réduites à leur plus simple expression, les chansons de Philippe B témoignent d’une rare profondeur. C’est dans cette optique qu’il présentera ses nouvelles pièces comme ses classiques lors d’une série de spectacles intimes en 2026. Alternant entre la guitare acoustique et le piano, Philippe B, seul sur scène, nous invite à le redécouvrir sous un nouvel angle : plus brut et personnel, mais toujours aussi poignant. Une occasion que ses fans ne voudront certainement pas manquer.

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Il performera dans un endroit secret du centre-ville! Abonne-toi à l'infolettre pour y accéder.

Compositeur de musique à l’image, réalisateur et musicien, Joseph Marchand affirme sa présence sur la scène musicale et audiovisuelle depuis plus de 20 ans. Au fil des ans, il assure la composition de musique à l’image d’une quarantaine de productions télévisuelles, cinématographiques et documentaires, ainsi que théâtrales, balado et publicitaires.

Au petit écran, il compose la musique de plusieurs séries marquantes telles que Les perles (illico+), Je voudrais qu’on m’efface (ICI Télé), Six Degrés (ICI Télé), Bébéatrice (ICI Télé), Les Simone (ICI Télé, avec Ariane Moffatt) et 30 vies (ICI Télé), ainsi que plusieurs productions documentaires, dont Mad Dog and the Butcher, lui valant une nomination pour la meilleure musique originale aux prix Gémeaux en 2020.

Au cinéma, il crée la musique de Mafia inc. réalisé par Podz (avec Milk & Bone), Hello Stranger d’Amélie Hardy, et travaille actuellement sur Fleur bleue de Geneviève Dulude-De Celles (projet en cours de production). On le voit aussi au théâtre dans la pièce J’ai cru vous voir d’Alexia Bürger (Espace Go), dont il a composé la musique et en assurait l’interprétation sur scène.

Comme réalisateur et musicien, Joseph collabore avec de grands noms de la chanson d’ici, dont Pierre Lapointe, Ariane Moffatt, Daniel Bélanger, Safia Nolin, Stéphanie Lapointe, Beyries, Ingrid St-Pierre, Marie-Pierre Arthur, Willows, ainsi qu’au sein du duo Forêt, dont il est un membre fondateur. Au fil de ces collaborations, il cumule les nominations au Gala de l’ADISQ et est lauréat de trois prix Félix pour des albums dont il assure la réalisation : Du feu dans les lilas par Amélie Beyries (2024, Album de l’année – Adulte contemporain); Reprises Vol. 1 par Safia Nolin (2017, Album de l’année – Réinterprétation) et Aquanaute par Ariane Moffatt (2003, Réalisation de disque de l’année).

Joseph se voit également confier la direction musicale d’événements d’envergure tels que le Gala des prix Gémeaux (2018), le Gala Artisans Québec Cinéma (2017-2019) ainsi que plusieurs émissions de télévision comme les échangistes avec Pénélope McQuade. En 2022, il explore une nouvelle dimension de sa pratique artistique en lançant le premier album de son projet musical solo, Joseph Mihalcean. Cet opus éponyme, co-réalisé avec Philippe Brault, lui vaut une nomination au GAMIQ pour l’album folk de l’année (2023). Toujours à ce titre, il fait paraître l’année suivante le EP collaboratif Sieste sur l’oreille droite, aux côtés de ses amis Klô Pelgag et Samuel Gougoux. Il prépare actuellement un prochain album qui paraîtra en 2025 sous l’étiquette Costume Records. En 2025, Joseph passe devant la caméra et incarne son propre rôle dans Chef d’orchestre, une comédie existentialiste réalisée et scénarisée par Stéphane Lafleur, diffusée sur ICI TOU.TV EXTRA.

Son prochain album « Treize miniatures » verra le jour le 21 novembre prochain.

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Située sur le Balcon de l’Hôtel de Ville, cette scène éphémère y présentera un artiste surprise annoncé seulement au moment de son spectacle. On t’y donne rendez-vous afin d’y découvrir son identité !

Un nouveau concept qui allie vélo et spectacle voit le jour au Sherblues : le Siboire à vélo. En effet, le samedi 4 juillet, un parcours à vélo a été planifié en collaboration avec le Siboire Dépôt. La destination finale sera le spectacle de Mon Doux Saigneur !

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DÉTAILS DE L'ACTIVITÉ : 

* Départ prévu au Siboire Dépôt de Sherbrooke à 16h30

* Arrivée et spectacle à la Mine Capelton du Canton-de-Hatley à 17h30

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Mon Doux Saigneur façonne depuis plus d’une décennie une musique partagée entre le folk et le rock. Conservant sa cadence créative, le groupe fait suite à deux albums acclamés par la critique - Horizon (2020) et Fleur de l’Âge (2022) - en dévoilant Du soleil dans l'oeil (15 novembre 2024). Avec ses pièces aux consonances soul, ce quatrième album propose une musique aussi douce que poignante. Sur scène, vous reconnaîtrez certainement l'incandescente fusion du groupe. Fidèle à leurs habitudes, les chansons sont choisies au gré du contexte mais voguent, cette fois-ci, sur un son plus feutré où la basse prédomine. Mettant de l’avant les récits d’Émerik St-Cyr Labbé érigés sur une trame plus RnB, Mon Doux Saigneur se parachute bien au-delà du rêve «Americana» autrefois présenté. C’est dans une célébration entraînante que le groupe vous présente un paysage nouveau dans lequel rien n’est pourtant étranger.

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Pour les couches-tards!

Pour toute la durée du festival, le Centre d'art Jardins Racine présente une grande exposition d'arts visuels dans le local de Corps Bruyants sur la rue Wellington Nord. Plus d'une vingtaine d'artistes présenteront leurs oeuvres inspirées de la programmation musicale du Sherblues. Ça devrait être coloré! 

Pour toute la durée du festival, le Centre d'art Jardins Racine présente une grande exposition d'arts visuels dans le local de Corps Bruyants sur la rue Wellington Nord. Plus d'une vingtaine d'artistes présenteront leurs oeuvres inspirées de la programmation musicale du Sherblues. Ça devrait être coloré! 

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Pour toute la durée du festival, le Centre d'art Jardins Racine présente une grande exposition d'arts visuels dans le local de Corps Bruyants sur la rue Wellington Nord. Plus d'une vingtaine d'artistes présenteront leurs oeuvres inspirées de la programmation musicale du Sherblues. Ça devrait être coloré! 

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À la voix chaude comme l’asphalte et profonde comme les arbres qui tombent, Tom Chicoine promène son country-rock vers différents horizons : en solo, l’intimité de ses textes se dévoile, tandis qu’en power trio, la puissance et l’ampleur des arrangements dominent. Originaire des rangs de la Montérégie, il s’inspire des Townes Van Zandt et Waylon Jennings pour affubler sa musique d’éléments folk, americana et psych avec une sensibilité québécoise, passant du bois qu’on bûche aux rivières qui nous entourent et aux bars où on se ramasse. Il lance en 2021 l’EP Les vapeurs qui nous font avancer et, deux ans plus tard, signe sous Audiogram pour l’album Moteur super sport, salué par la critique et nommé au Gala de l’ADISQ et au GAMIQ. Il revient à l’automne 2025 avec Divertir, une nouvelle collection explorant le sentiment de ne pas être à la hauteur et la solitude face au regard des autres autant que la confiance et l’acceptation de soi. Le spectacle qui en découlera sera à la fois intime et grisant, Tom Chicoine y présentant des pièces de ses deux albums dans un déploiement en pente ascendante – et c’est aussi une bonne raison de revenir lire le journal de votre coin de pays pour vous jaser des nouvelles locales entre les tounes.

Ça faisait un bon bout de temps qu’on avait entendu parler de Thomé Young – un bon sept, huit ans facile. Thomé Young, c’est l’alias de Pascal Lejeune, Pointe-Vertois qui se renomme fièrement lorsqu’il prend la guitare et se met à son affable poésie d’observation pour en faire des tounes. Ça faisait un bon bout de temps, parce que Lejeune, c’est un gars de projets : tour à tour musicien, tenancier de bistrot culturel, réalisateur d’albums, directeur-adjoint de la société culturelle de Tracadie, compositeur de musique à l’image, charpentier, acteur (malgré lui). Ce qui fait qu’après ses albums Victoria (2014) et Patsy (2017), sa guitare est restée cinq ans dans son case pendant qu’il bâtissait une maison ou travaillait sur la construction. Pis là, il revient avec ses histoires de famille et ses récits régionaux, portés avec bienveillance et affabilité par sa sensibilité des alentours pour présenter Dans la vallée, une troisième collection travaillée en compagnie de Mico Roy (Les Hôtesses d’Hilaire) et Katrine Noël (Les Hay Babies). Thomé Young cumule près de 500 spectacles partout au Canada, en France, en Belgique et en Slovénie – suite à un bon break et maintenant que la suite se dessine, il a hâte de reprendre la route.

Le duo québécois Grand Eugène, composé de Melyssa Lemieux et Jeremy Lachance, chemine aussi bien dans l’urgence de créer qu’au creux des souvenirs qu’on peine à raconter. Leur premier album Deux places au cimetière témoigne d’un esprit indie rock agile qui se meut aisément au gré des humeurs, doux dans sa langueur et farouche du regard.

Les chemins de Melyssa et Jeremy sont aussi entremêlés que les fils d’une pelote de laine, entre le CÉGEP, les appartements montréalais et l’ouest du pays. Mais quand leur projet commun voit le jour en 2023 avec un premier EP homonyme, l’intention est limpide : offrir un son indie au cachet onirique, porté par la voix murmurée de sa chanteuse et les arrangements duveteux de son principal compositeur.  Plusieurs de leurs chansons, dont « Celle-là » et « Danser », cumulent rapidement des centaines de milliers d'écoutes sur les plateformes, attirant le regard des mélomanes des deux côtés de l’Atlantique sur le prometteur duo québécois. En 2024, le duo présente un deuxième microalbum, Les vacances d’été, qu’ils amènent sur les routes du Québec (FEQ, Francos, Santa Teresa, FME) et de la France, où ils font une tournée de cinq dates en plus de performer aux festivals Avec le temps et les Bars en Trans.

Deux places au cimetière marque le début sur long-jeu de Grand Eugène en manifestant une évolution presque grunge à leur son indie. Les deux artistes y réinterprètent le registre des chansons d’amour en flirtant avec le kitsch, une certaine touche d’humour pince-sans-rire saupoudrée sur leurs ballades mordantes. L’album est le produit d’un élan créatif inarrêtable, les maquettes enregistrées entre Saint-Hugues, Montréal, Paris et l’ancienne van de Jeremy, parfois sur un coin de table avec rien de plus qu’un micro d’ordinateur et un haut-parleur. Comme une fleur sur une pierre tombale, leur musique pousse partout, cajole les cœurs brisés et donne un air vivace aux choses les plus éphémères.

Kelowna Rose est une auteure-compositrice-interprète mêlant R&B, soul et jazz, avec une voix feutrée et agile. Sa musique varie entre grooves entraînants et moments qui touchent l’âme, explorant des thèmes tels que l’émancipation, la guérison émotionnelle et l’engagement social. Sa musique s’inspire d’icônes comme Erykah Badu, Stevie Wonder et Nina Simone, et s’ancre dans sa conviction que la musique peut être une force de changement. Son amour d’artistes soul des années 70’s et 90’s transparaît non seulement dans son style, mais aussi dans la sonorité organique de ses compositions. Kelowna incarne une vieille âme teintée d’humour, de douceur et d’humanité.

Erika Hagen se situe dans le vaste univers du rock-folk garage. Ses chansons sont à la fois irrévérencieuses et intimes, portées par une plume poétique quotidienne. Le projet s’inspire de poètes comme Patrice Desbiens, Riot Grrrls ainsi que des artistes indie-rock et folk comme Courtney Barnett et Avec pas d’casque.

Erika Hagen raconte les reliefs de la ville. Les personnages qui y vivent sont des femmes brillantes, exigeantes et complexes, qui souvent cherchent à prendre la fuite. Le projet se veut une exploration des parties de nous qui manquent la cible, qui détonnent, qui nous sont inacceptables, mais qui cherchent pourtant à être entendues.

Guillaume Gilbert n’a cessé de travailler la guitare depuis maintenant 30 ans. Professeur de guitare électrique au Cégep de Sherbrooke et à l’Université Bishop’s, il poursuit également une carrière de pigiste, d’interprète et de compositeur. Le Trio Guillaume Gilbert est le terrain de jeu par excellence pour ces trois passionnés de jazz. Voyage au cœur de la tradition du jazz américain, c’est l’occasion de redécouvrir les standards, parfois connus et parfois moins. Les improvisations s’y succèdent : des histoires narrées avec verve et intensité. Mettant en vedette Jonathan Boudreau (contrebasse) et Simon Bergeron (batterie), deux musiciens hors pair avec qui la musique coule de source. Swing et lyrisme au rendez-vous!

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Ska Sound System est un groupe punk party ska formé à Montréal post-pandémie en mars 2022 par Franz Schuller de GrimSkunk avec des musiciens et amis de la scène montréalaise : Colectivo, Francbâtards, Les Van Hornies pour n'en nommer que quelques-uns. L’ensemble de 9 séduit son public et se forge un nom grâce à ses performances endiablées et à l’énergie dégagée sur scène, même les non-initiés au ska ont la piqûre! Leur réputation live les amènent à parcourir les 4 coins du Québec pour soulever les foules. Un mélange de ska, de punk, de rock, de funk et de reggae. Inspiré de groupes comme Sublime, The Special, Operation Ivy, Rancid, Toots & the Maytals, Madness, des classiques de Grimskunk et plusieurs compositions originales aux paroles engagées et une section de cuivres, du gros plaisir vous attend!

Mononc’ Serge, c'est 15 albums studios, plus de 150 chansons etdes milliers de gros mots, d’injures et de sacres. Comme toujours lorsqu’iln’est pas payé décemment, il se produira sans accompagnateurs, affrontant lafoule seul avec sa guitare, son énergie et son humour douteux. Son entraînement au sein de l’équipe canadienne de pole dancingmasculin lui laissant peu de temps pour répéter ses morceaux, les attentesvis-à-vis son concert doivent demeurer modestes. Ceci dit, un show de Mononc’Serge, plus c’est tout croche, plus le monde aime ça!

VIRGINIE B

L’excentricité envoûtante de Virginie B n’a d’égal que sa créativité débordante. L’autrice-compositrice-interprète, réalisatrice et multi-instrumentiste propose une réappropriation unique des codes de l’hyperpop en y incorporant des touches de nu-jazz, de funk et de R&B. Accompagnée de son talentueux collaborateur et co-réalisateur Louis Jeay-Beaulieu, elle applique cet amalgame de styles à la fois distinctif et versatile à l’exploration de sa psyché, de sa féminité et de son rapport à la technologie et à la nature.

En septembre 2024, Virginie B présente Astral 2000, un deuxième album qui allie mélodies accrocheuses, expérimentations stylistiques et textures recherchées à une poésie à la fois introspective, profonde et accessible.

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YUKI B

Mélomane et musicienne, Yuki Berthiaume-Tremblay puise dans un sac sans fond (et sans frontières) quand vient le temps de faire tourner ses platines. On la voit décoiffer l’Esco autant que le Newspeak lors de ses DJ Sets imprévisibles, où résonnent mille nuances d’électro, de la pop sans complexe, du bon vieux post-punk, du disco ou du funk. Yuki B l’artiste prépare du matériel original (et des collaborations enlevantes avec des artistes visionnaires), quand elle n’est pas en train de briller sur une scène aux côtés des complices de Yocto, Jesuslesfilles ou, anciennement, I.D.A.L.G.

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Originaire de France et établie àMontréal depuis plus d’une décennie, Hélène Barbier chante en anglais eten français sur des mélodies avant-pop agressivement anti-compliquées. Entouréede musiciens talentueux qu’elle sait allergiques aux accords fatigués et auxremplissages inutiles, elle crée des déséquilibres heureux par juxtaposition denotes simples, mais déroutantes qui forment la base d'un jeu complexe.

Arielle Soucy estune autrice-compositrice-interprète originaire de Montréal qui s’impose commeune figure montante de la musique québécoise. Son premier album, Il n’y arien que je ne suis pas (2023), a été acclamé comme meilleur album del’année par Le Devoir, CISM, Bandcamp, Exclaim!, et plusieurs autresmédias. Cet opus a également figuré sur la Long List du prix Polaris,confirmant l’impact de son approche folk organique et minimaliste.

Avec six nominations auxADISQ 2024, dont celles pour Révélation de l’année et Album folk del’année, et les prix de Révélation de l’année et Album folk del’année aux GAMIQ, Arielle Soucy récolte les honneurs pour sa capacité àmarier sensibilité et créativité. En tournée, elle a présenté plus de 70spectacles partout au Québec et partagé la scène avec des artistes renomméscomme Philippe B, Philippe Brach, Comment Debord, et Vanille.

À travers son écritureintrospective, ses mélodies lumineuses et ses arrangements raffinés, ArielleSoucy transporte son public dans un univers où tradition et modernités’entrelacent avec audace et émotion. Suivez-la avec l’album Passage, unnouveau chapitre de sa carrière où elle pousse encore plus loin sesexpérimentations folk.

Au loin on entend déjà résonner violon, guitare, mandoline,banjo et contrebasse: la fête bat son plein dans la véranda du groupefolk-country-bluegrass, un endroit chaleureux où l’on est bien à l’abri dutemps. Fort de plus de 250 spectacles d’un bout à l’autre du pays et en Europe,Veranda revient en force avec un tout nouveau spectacle qui vous fera vivrel’expérience énergisante et rassembleuse des bons vieux partys decuisine. Il ne manque que vous pour compléter le portrait!

Derrière le visage de Klaus, buriné par l’âpreté du chemin parcouru,les têtes et les cœurs de François Lafontaine (Karkwa, Marie-Pierre Arthur, Galaxie) et Joe Grass (Patrick Watson, Elisapie, The Barr Brothers, Lhasa) ontreconnu l’ampleur des saccades l’ayant mené au bord du ravin. Est-ce que, toutce temps-là, c’était eux le monstre? Ou avaient-ils simplement œuvrés à lenourrir chaque matin?

Dans chaque petit geste, chaque décision plus facile à prendre quela précédente, ils parviennent, avec l’album II, à faire taire le bruitambiant, la réverbération et l’écho inutile des faits marquants du jour pouroffrir la splendeur d’un rush de sucre et l’amplitude d’une vague.

C’est Joe Grass et François Lafontaine — deux mules prêtes à portersur leurs épaules une entité plus grande qu’eux. C’est Frankenstein sur un buzzde Smarties. C’est Klaus.

HollyCole n’est pas une artiste qui se laisse facilement enfermer dans une seulecatégorie. Sa voix feutrée et envoûtante, ses arrangements à la foisintelligents et sensuels, et l’approche très personnelle qu’elle adopte avecses musiciens redonnent une nouvelle vie aux grands standards du jazz, de lapop et du country.

Mme Coleest une chanteuse canadienne de renommée internationale, lauréate de plusieursprix Juno. Elle amorce sa carrière en 1989 avec la parution du EP quatre titresChristmasBlues,suivi en 1990 de son premier album Girl Talk. En 1992, ellesigne avec Blue Note/Manhattan et lance Blame It on My Youth, qui comprend sareprise de « Calling You », un simple à succès au Japon.

L’albumsuivant, Don’tSmoke in Bed,ainsi que sa version de « I Can See Clearly Now » de Johnny Nash, ouvrent lavoie à Temptation, un disque saluépar la critique, composé exclusivement de chansons écrites par Tom Waits, l’undes auteurs-compositeurs favoris de Holly Cole.

Ellea ensuite enregistré huit autres albums studio, dont le plus récent, Dark Moon, paru enfévrier 2025. Sur ce dernier opus, elle et son remarquable groupe réinvententdes chansons de compositeurs tels que Marty Balin, Peggy Lee, Hal David, BurtBacharach et Johnny Mercer.

Musicien montréalais né en 1948, Michel Pagliaro a toujoursété à la recherche de musiciens d'exception.

Tout au long de son trajet, il s'est lié d'amitiés etd'aventures musicales avec de nombreux artistes.

C'est en 1966 que débute l'expérience de Michel Pagliarodans les studios d'enregistrement où il se découvre une passion pour la prisede son et les techniques de production. Motivé par cette énergie créatrice quil'habite, il compose, écrit et endisque de multiples grands succès intemporelsqui sont toujours présents dans les coeurs francophones et anglophones. Il estrécipiendaire d'un grand nombre de prix prestigieux pour ses chansons. Sansdélaisser pour autant son amour pour la performance musicale, il participe à denombreux projets artistiques en tant que musicien, arrangeur, réalisateur etingénieur d'un côté comme de l'autre de l'Atlantique.

Toujours sur la route ... Michel Pagliaro monte sur scèneaccompagné de musiciens complices d'esprit et d'harmonies avec qui il livre unedose électrique pour son plaisir et celui du public. Dans son spectacleacoustique, on fait la fête quand PAG revisite les «hits» qu'il a créés etchantés dans une atmosphère intime.

Sur scène ou en studio, la route continue ... MichelPagliaro roule toujours avec ses chansons de rock and roll qui ont marqué lavie des auditeurs toutes générations confondues.

La musique faut que ça soit vécu, joué, ressenti. C'estpas juste un paquet de notes mais plutôt une suite de sons et de rythmes quidonnent vie à une idée.

Michel Pagliaro

Salinest une batteuse, productrice et compositrice née en Thaïlande et établie auCanada, nommée aux prix Juno. Sa musique actuelle explore les sonoritésenvoûtantes du Nord-Est de la Thaïlande et les marie à la psychédélie desannées 1970 d’Afrique de l’Ouest, le tout à travers une production soulmoderne. C’est dans cet esprit qu’elle a baptisé ce nouveau genre « Afro IsanSoul ». À travers sa musique, elle réfléchit aux thèmes de l’identité, de laspiritualité et de l’humanité, le tout relevé d’une dose de plaisir pour offrirà ses auditeurs un voyage sonore unique.

Après de récentesapparitions lors de la tournée estivale de Chanel à Bangkok, au Winter JazzFestival, ainsi qu’une série de concerts en tête d’affiche aux États-Unis —dont une soirée à guichets fermés au Lodge Room à Los Angeles et une premièrepartie de Yussef Dayes à Central Park —, elle a récemment lancé son album Rammana,créé avec des musiciennes et musiciens thaïlandais et canadiens, réunissant deséléments de l’Est et de l’Ouest. L’album a été largement salué, et Salin arécemment été mise en vedette sur BBC 6 Music ainsi que dans une performance endirect pour KEXP. Un enregistrement à venir à Maida Vale et une tournée àl’échelle européenne confirment Salin comme une nouvelle figure prometteuse dujazz mondial moderne.

Lemon Bucket Orkestra a célébré en 2025 leur 15 ans! La version canadienne de Gogol Bordello, LBO est le groupe torontois emblématique du folk-party-punk-guerilla. Alliant une précision exaltante à une énergie débridée, LBO propose une polyphonie ukrainienne percutante et des rythmes balkaniques entraînants, enrichis de touches de hip-hop, de punk et de jazz. Leur son incarne une fusion d'influences mondiales et d'une quête artistique nourrie par leurs voyages éclectiques à travers le monde et par la richesse polyculturelle de leur ville d'origine, Toronto. Lemon Bucket offre à chaque fois un spectacle explosif, électrisant et joyeusement chaotique.

Malaimé Soleil, c’est un souffle chaud qui traverse les foules et colle au coeur. Leurs chansons frappent juste, portées par des refrains qu’on retient sans effort et qu’on a envie de hurler à pleins poumons dans des salles bondées. Malaimé, c’est une invitation à se rassembler, à vibrer ensemble dans la joie comme dans la tristesse.

Quelque part entre énergie brute et tendresse assumée, ils tracent leur route à travers des paysages sonores inattendus — un écho des époques passées ici, une touche d’ailleurs là-bas, et toujours cette envie de surprendre au passage. Une de leurs forces réside dans cette capacité à faire vivre à d’autres les scènes d’une vie dans l’émotion de celui qui la vit, comme d’un film au cinéma.

Malaimé Soleil ne cherche pas à briller seul — leur musique vit à travers ceux qui l’écoutent. Elle devient la bande sonore de nos soirées mémorables, de nos trajets sans histoire, de nos joies simples et de nos peines sourdes. Ils chantent la vie, sans fard ni détour, et c’est précisément ce qui les rend spéciaux.

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Pastel Blank s’articule autour des chansons et de la voix de l’auteur-compositeurAngus Watt. Le projet prend vie grâce à une distribution sans cesse changeantede musicien·ne·s et à des collaborateur·rice·s récurrent·e·s de Montréal,Vancouver et Victoria, et se situe quelque part entre un projet « solo » et un groupe.

L’expérimentation se dissimule sous une structure de chansons aux accents pop : l’éclat et le lustre d’une boule disco scintillent sur les arêtes de sensibilités post-punknettes et anguleuses. La pulsation bégaie comme du code Morse; il y a du funk,mais tempéré par une nervosité candide, comme si les chansons elles-mêmes nesavaient pas ce qui allait arriver ensuite. Le résultat est un miroir déformant du référentialisme : un collage de sons à la fois familiers et pourtant légèrement étranges dans leur combinaison.

Pastel Blank offre une occasion de catharsis : les angoisses d’aujourd’hui deviennent la raison de danser ce soir.

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Originaire de Haleiwa, HI, Ron Artis IIest un artiste primé qui propose un style unique d'écriture soulful etauthentique. La musique est le métier de la famille Artis.  Son père, Ron Artis I, est un musicienrenommé qui a encadré Ron dès son plus jeune âge, le faisant monter sur scènedès l'âge de 8 ans. Il a également reçu des leçons de la légende locale de lamusique, JP Smoketrain. Ron apprenait rapidement et ses compétencesexceptionnelles en tant que guitariste étaient évidentes. Il fut rapidementconsidéré comme un prodige musical. Au cours des années qui ont suivi, Rons'est produit avec son père et leur groupe familial dans toutes les îles.  Il a grandi dans un large éventail de stylesmusicaux et grâce à ce mentorat précoce, Ron a développé ses propres capacitésen tant que chanteur, multi-instrumentiste, auteur et producteur, avant de selancer à son compte et de traverser sur le continent.

Aujourd'hui, il joue de la musiqueoriginale et dynamise le public dans le monde entier, grâce à son style de jeude guitare très polyvalent et captivant. Les nouveaux fans comme les plusanciens quittent l'expérience en se sentant aimés, électrisés et nourris passes textes riches et pertinents. Ces dernières années, Ron a tourné et/oucollaboré avec de grands artistes tels que Jack Johnson, G Love, Ben Harper, seproduisant partout, des petits clubs aux grands amphithéâtres du pays, comme leHollywood Bowl.  

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Fred Fortin fait partie de cette garde bien établie : une valeur sûre pour des guitares tranchantes et un son cru.

Qu’il nous parle d’oiseaux de malheur, d’amour ou de la routine essoufflante, sa poésie granuleuse déroule de véritables films dans nos têtes.

Accompagné de son complice de longue date, Olivier Langevin et du batteur émérite Robbie Kuster, la soirée s’annonce rugueuse mais touchante, une expérience à la fois brute et délicatement humaine.

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Tous s’entendent pour dire qu’Ariane Roy, figure de proue de la désormais célèbre scène de Québec, récipiendaire du prix Révélation de l’année au Gala de l’ADISQ 2022, Révélation Radio-Canada 2021-2022, nommée à deux reprises aux prix JUNO, récipiendaire du Prix Félix-Leclerc en 2022, Prix Espoir FEQ et on en passe, est manifestement destinée à briller parmi nos plus grandes étoiles. Suite à la parution d’un premier album, medium plaisir (2022), Ariane s’est fait un nom en brûlant les planches des quatre coins du Québec avec un spectacle bouillant, mettant en évidence les fulgurances qui la portent depuis ses tout débuts. L’autrice-compositrice-interprète nous revient désormais avec Dogue, un deuxième album qui tranche avec ce qu’elle nous avait habitué. Coréalisé avec Félix Petit (Hubert Lenoir, Les Louanges, Bonnie Banane), Dogue montre les dents, oui pour sourire, mais aux dépens de qui ? Peu nous importe puisque l’on ne peut résister à se coucher devant les crocs, espérant se joindre à la meute.

Le propre d’un show rock, c’est de pas être propre per se : c’est cet aspect brut qui faitressentir des émotions qui le sont tout autant - et ça, Bon Enfant le sait etl’applique grandement. Pas de costumes, pas de mise en scène - juste du vraimonde qui te raconte ses vraies affaires. C’est aussi l’imprévu, le danger, lanouveauté : v’là tu pas qu’avec eux autres t’auras jamais le même set 2 fois,puisé différemment à chaque soir dans un catalogue de 3 capables albums pourconstruire quelque chose d’unique - quelque chose dont le public fait partie.Des personnalités fortes qui s’enchevêtrent plutôt que s’entrechoquent, deslignes de basse, des riffs de guitare, des punchs de cymbales pis des racks àclaviers à pu finir, le tout mené par la chaude voix de Daphné Brissette. Desmoments ardents à partager, desquels on ressort en se sentant mieux, et en enredemandant.

Ariane Moffatt est de retour avec une irrésistible envie de jouer! Son nouveau spectacle s’annonce festif et enivrant. Une aventure synth popguidée par le beat!

Le quatuor sur scène oscillera entre les grands succès d’Ariane devenus incontournables et ses nouvelles chansons aux textes universels et d’une pertinence désarmante. Ses rythmes contagieux prendront vos corps d'assaut. Allez, l'heure est venue de combattre le feu par le jeu et de danser à cœur ouvert, les yeux fermés.

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P’tit Belliveau,c’est le projet temps plein de l’expérimentaliste pop et prime alien acadienJonah Guimond, qui est déjà gréé de deux albums célébrés sur lesquels onretrouve des hymnes générationnels tels que « Income Tax » et « J’aimeraisd’avoir un John Deere ». Fort de quatre (4) Club Soda affichant complet, ilentend bien se rendre au « [...] gros poster [du] Centre Bell sold-out [...] »avec P’tit Belliveau, son 3e album à paraître le 27 avril 2024.Homme-orchestre sur disque mais toujours accompagné de son band en show, ilcolle au simple mais essentiel credo du fun et du « bigger, better,stronger », offrant des versions davantage rock et éclatées de seschansons les plus propices au party, pour que « ça danse, ça bouge, on boit dela bière » avec « plus de boom, plus de pow », parsemant l’ensemble de quelquesreprises avérées : « C’est pas une affaire d’être subtil - faut que ça soitbig, pis si ça prend des skulls pis des motorbikes, so be it ».Venez voir par vous-mêmes, y a pas grand chance que vous en ressortiez sansvous joindre à la horde de P’tit Bellivers.